Wenn wir Menschen auf der Straße beobachten, im Bus, in Wartezimmern, wissen wir oft intuitiv, wie ihre Beziehung zueinander ist, ob Streit in der Luft liegt, größte Vertrautheit herrscht oder die vor uns Sitzenden gerade frisch verliebt sind. Dabei brauchen wir meist gar nicht zu verstehen, welche Worte ausgetauscht werden. Denn wir sind Meister*innen darin, zwischen den Zeilen zu lesen.
Wie kommt es aber, dass sich diese Fähigkeit auf der Bühne oft verflüchtigt? Wir kreieren künstliche Situationen, verpassen wichtige körpersprachliche und stimmliche Signale und basteln oft intellektuell eine Geschichte zusammen, auf die wir uns mühsam einigen.
In diesem Workshop geht es darum, Techniken kennen zu lernen und zu erproben, um aus dem Kopf in die emotionale Beziehung zu kommen, vom Produzieren ins Reagieren, von der „guten Idee“ zur authentischen emotionalen Reaktion. Dieser Workshop ist ein Training, das Ungesagte zu hören, bei sich selbst und bei dem*der Partner*in zu sein und wahrhaftige Beziehungen auf der Bühne entstehen zu lassen. Mit wahrhaftigem Zuhören und authentischem Re-Acting entfalten sich so mühelos die Szenen vor uns.

Nichts bleibt dem Publikum so sehr in Erinnerung wie der Anfang und das Ende einer Szene, eines Stückes, eines Theaterabends. Hier sollte also unser ganz besonderer Fokus liegen. Doch was macht einen guten Anfang aus, der die Szene inspirieren soll? Und wie baue ich ein starkes Ende, das in Erinnerung bleibt? Und wie hängt beides zusammen?

Nadine Antler begleitet ihre Workshopteilnehmer*innen dabei, mit Spielfreude und viel Klarheit am Alpha und Omega zu arbeiten und dabei generell ihre Szenenarbeit und ihr Storytelling zu verbessern. Themen des Workshops umfassen u.a. auch Ruhe zu bewahren unter Stress, die Liebe zum Detail sowie die eigene Inspiration und die der Mitspieler*innen zu erhalten. Es wird darum gehen, die Falle des Sofort-Konflikts zu vermeiden bzw. den sofortigen Konflikt als energetischen Startpunkt zu nutzen, um Szenen zu erschaffen, die lange in Erinnerung bleiben.

Wir kennen sie vermutlich alle: Die Unterscheidung im Improvisationstheater in Kurzform oder Langform. Und mit dieser Grenze geht oft das Verständnis einher: Es werden Games/Spiele oder eben Szenen gespielt. Doch bei genauerer Betrachtung greift diese Unterscheidung viel zu kurz. Denn auch eine Kurzform-Vorstellung lebt von den Szenen und viele Langformen-Shows greifen Games auf, erfinden sie sogar live auf der Bühne.

Nicht zuletzt wurden die meisten Games dafür designt, um Probleme in Szenen zu beheben und bieten das Potenzial, Hilfestellung zu geben, um die Szenenarbeit zu stärken. Die Herausforderung in diesem Workshop ist es also, beides gelingen zu lassen: Das Game zu spielen und die Szene damit zu unterstützen.

Dieser Workshop fokussiert sich darauf, wie man eine gute Geschichte kreiert. Was sind grundlegende Strukturen für Stories? Was brauchen wir, um einen starken Anfang (eine sogenannte Plattform oder einen Kontext) zu schaffen? Wie machen wir unsere Charaktere sympathisch, so dass das Publikum mit ihnen mitfühlt und sich von ihnen in die Geschichte hineinziehen lässt? Was macht einen guten Mittelteil einer Geschichte sowie ein starkes Ende aus? Was braucht eine Story, um eine gesamte Show zu füllen und das Publikum zu berühren? Und wie kann man eine solche Geschichte kreieren, ohne in den Kopf zu kommen und stattdessen sicher zu stellen, dass wir immer noch im Moment und im Kontakt mit unserem*unserer Partner*in sind?

Eine Frau verliebt sich in einen Mann. Sie wirbt um ihn. Sie werden ein Paar.

Eine spannende Geschichte? Wohl kaum. Denn die Einzigartigkeit von Geschichten besteht in den Details, die wiederum die Basis bilden für einzigartige Stolpersteine, unerwartete Hilfen und Wendungen, die man nicht hat kommen sehen. Während bei Romanen und Drehbüchern von hinten nach vorne geschrieben wird, ist es beim improvisierten Theater wichtig, Details schon dort anzubringen, wo sie erstmal scheinbar nebensächlich sind. Gerade bei längeren Formaten sind die Basis und der „Heizkessel“ für einzigartige Geschichten und sorgen dafür, dass wir spannende und authentische Geschichten erzählen können.

Nadine Antler trainiert die Teilnehmer*innen dieses Workshops darin, spezifisch zu sein, gemeinsam wertvolle Details in die Szenenarbeit zu weben und diese dann für ein kraftvolles Storytelling zu verwenden.

Es ist kein Geheimnis, dass niemand mit Rampensäuen oder von eigener Unsicherheit gelähmten Kolleg*innen gerne auf der Bühne steht. Und trotzdem ist es oft schwer, den Fokus von mir selbst abzuwenden und mich auf meine Mitspieler*innen zu fokussieren.

Doch wie kann ich meine Kolleg*innen auf der Bühne gut aussehen lassen? Auf welche Arten kann ich meine Partner*innen, die Szene, den Abend unterstützen, ohne dass ich selbst im Mittelpunkt stehen muss oder die Kontrolle an mich reiße? Nadine Antler hilft den Teilnehmer*innen des Workshops, den Mitspieler*innen und ihren Angeboten Glanz zu verleihen und im besten Falle damit zu eine*r besseren und beliebteren Szenenpartner*in zu werden.

Wenn man Improspieler*innen fragt, warum sie auf die Bühne gehen, sind die Antworten oft ähnlich: Wir lieben das Miteinander, das Adrenalin, die Lust am Scheitern. Mit den Jahren hat sich unsere Technik verfeinert, wir verstehen unser Handwerk immer besser. Kurz: Es macht einfach Spaß dort oben auf der Bühne zu stehen! Doch ist das allein schon genug? Sollten wir, neben dem Vergnügen am Improvisieren, nicht auch etwas zu sagen haben? Und wenn ja, wie finden wir eine Möglichkeit dem Publikum unsere Sicht der Dinge mitzuteilen, ohne Phrasen zu dreschen oder den erhobenen Zeigefinger auszupacken?

Nadine Antler stellt folgende Frage in den Mittelpunkt: Was inspiriert mich auf die Bühne zu gehen? Karl Valentin sagte einmal: „Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit.“ Wirklich etwas zu sagen zu haben erfordert Mühe und Fleiß. In diesem Sinne machen wir uns auf die Suche. Was ist meine Botschaft? Wo spiegelt sie sich in der von mir gewählten Form wider? In diesem Workshop gehen die Teilnehmer*innen ihrer eigenen Inspiration auf den Grund, um ihrer persönlichen Arbeit mehr Gewicht zu verleihen. Ganz Impro-untypische Recherche-Arbeiten nicht ausgeschlossen.

Wenn wir Erinnerungen aus unserem Leben mit dem Publikum teilen, dann können uns diese Geschichten auf eine Weise berühren, wie es erfundene Geschichten nur selten tun können. Aber die Grenze zwischen Wahrheit und Lüge, zwischen Realität und Fiktion ist sehr unscharf. Wie sehr füllen wir unsere Erinnerungen mit Details, die es in Wirklichkeit gar nicht gegeben hat? Wie verändern sich Geschichten, während wir sie erzählen? Und wie gut kann das Publikum herausfinden, wer lügt, wenn man mit großem Engagement und viel Liebe zum Detail eine bewegende und farbenfrohe Geschichte präsentiert?

In der Show True Stories dreht sich alles um wahre Geschichten und geschicktes Lügen. Die Zuschauer*innen nehmen selbst an einer Spielshow teil, bekommen Punkte für gute Beobachtung und nutzen ihre Intuition, um die Lüge von der Wahrheit zu unterscheiden.

In diesem Workshop werden die Teilnehmer*innen lernen, sich in der Struktur dieser Show zu bewegen und die Philosophie dahinter zu verstehen. Wir werden daran arbeiten, wie man Abwechslung für das Publikum schafft, wie man sein eigenes Gedächtnis auf der Bühne steuert und wie man das Gleiche für eine fiktive Geschichte tut. Wie man als Darsteller*in die Initiative ergreift, ohne die Richtung der Szene zu verändern, wie man alles zusammenhält und wie man persönlich sein kann, ohne privat zu sein, sind weitere Themen, die behandelt werden.

**Dieser Workshop dient dem Vermitteln des Formats „True Stories“ von Nadine Antler & Shawn Kinley.

Struktur, Philosophie, Inhalt und Perspektiven
 
Theatersport™ ist ein millionenfach gespieltes sowie tausendfach kopiertes Format und gleichzeitig eines der schwierigsten und unterschätztesten der Impro-Welt. In diesem Workshop setzen wir uns mit der Struktur, Philosophie sowie dem Inhalt dieses Formats von Keith Johnstone auseinandersetzen.

Beim Theatersport™ geht es darum, einen glaubhaften Wettbewerb für das Publikum zu inszenieren. Wie aber kann ich es schaffen, dass dieser Wettkampf nicht auf die Haltung der Schauspielenden übergreift? Wie bleibe ich – auch im Moment des größten Scheiterns – leicht und spielerisch? Wie schaffe ich es, neben absurd komischen Szenen auch Berührendes entstehen zu lassen? Warum gibt es autoritäre Richter*innen, die strafend mit Hupe und Korb in das Geschehen eingreifen können und warum sollen diese nicht von lustigen Figuren verkörpert werden? Warum ist der*die Moderator*in ein*e Kommentator*in und sitzt an der Seite statt im Mittelpunkt des Geschehens zu agieren? Und was hat alles das mit meinen eigenen Theaterformaten zu tun?

In diesem Workshop gehen wir diesen Fragen nach und nehmen dabei Keith Johnstones Format Theatersport™ genauer unter die Lupe, lernen die Mechanismen, Rollen und damit verbundenen Fähigkeiten kennen und erproben und diese schließlich für eine Theatersport™-Show, um sie schließlich  für unsere weitere Arbeit nutzbar zu machen. 

Wenn wir mit dem Publikum und unseren Mitspieler*innen Erinnerungen aus unserem Leben teilen, dann können diese Geschichten auf einer Ebene berühren, wie es erdachte Geschichten nur äußerst selten vermögen. Gleichfalls stellen sie jedoch die Improtheaterspieler*innen vor die schwere Aufgabe, diese Erlebnisse in Szenen einzubetten, die neue Perspektiven und Zugänge auf das Erlebte eröffnen, ohne es schlicht zu illustrieren. Gleichzeitig gilt es auch noch, der Erinnerung gerecht zu werden. Wenn dieses schwierige Kunststück jedoch gelingt, dann gehen Fiktion und wahrhaft Erlebtes eine Synthese ein, die ein Theatererlebnis der besonders eindrucksvollen Art erschafft, in dem man immer wieder Facetten seines eigenen Lebens entdecken kann.

„Und dann sagt sie doch tatsächlich zu mir: ‚In dem Look willst du wirklich die Kundenpräsentation halten?‘ Da war ich sprachlos.“ Warum fällt uns ausgerechnet dann nichts Passendes ein, wenn wir mit einer Unverschämtheit konfrontiert werden? Während wir noch nachgrübeln, wie denn dieser Kommentar jetzt eigentlich gemeint war und warum er uns so aus der Bahn wirft, ist die Möglichkeit, für die schnelle schlagfertige Antwort oder die kreative Lösung der Situation bereits vergangen.

Doch der nächste unerwartete Moment kommt bestimmt und den spontanen Umgang mit unerwarteten Situationen sowie Schlagfertigkeit kann man lernen. Dahinter steckt eine Lebenseinstellung. Gelassenheit und der Mut zum Fehler spielen dabei eine ebenso große Rolle wie die eigene Ausstrahlung. Mit den Methoden des Improvisationstheaters werden wir an der Wieder-Entdeckung der eigenen Kreativität, der passenden Einstellung und der eigenen authentischen und starken Präsenz arbeiten. Das Vertrauen in die eigenen Ideen und Gestaltungsmöglichkeiten geht damit Hand in Hand und ermöglicht eine größere Handlungsfähigkeit unter Unsicherheit – und natürlich auch den passenden lockeren Spruch, wenn mal wieder jemand unverschämt ist.